AVATAR, la révolution dans le regard

Quand Avatar sort en 2009, on parle surtout de révolution visuelle.  Et pour cause le film repousse les limites du cinéma immersif grâce à une toute nouvelle technologie : la 3D. Mais aujourd’hui, ce n’est plus tant cette innovation qui nous fascine que la manière dont elle nous apprend à la regarder. En effet, derrière cette virtuosité se cache un dispositif plus complexe où Cameron interroge sans cesse la manière dont nous « voyons » l’Autre : qu’il soit technologique, colonial, intime ou même poétique.

Le regard technologique

L’innovation majeure de Avatar réside dans sa maîtrise de la technologie 3D et des effets visuels. Pandora en est le cœur battant. Chaque plante, chaque créature, chaque mouvement d’air est pensé pour capturer notre attention. La 3D ne se contente pas de créer l’illusion d’espace, elle modifie notre perception, nous oblige à naviguer dans l’image, à explorer les arrière-plans et les détails de ce nouveau monde.

Dès la première scène, le film affiche ce nouveau langage : après avoir survolé Pandora d’un regard quasi divin, Jake Sully s’éveille face à une simple goutte d’eau positionnée au premier plan de l’image. Grâce à cette technologie, on n’observe plus, on s’immerge dans les différentes couches de l’image. Et cette planète que nous avons survolée, nous allons la découvrir en profondeur, à travers ses différentes couches qui la constituent. C’est un renversement du point de vue. Nous passons du surplomb à l’immersion, du spectaculaire au sensible. Pandora n’est plus un décor à contempler, mais un milieu à habiter.

Pourtant, derrière l’émerveillement, se joue une ambiguïté. Cette sur-visibilité confère au spectateur un pouvoir sur l’image, un regard omniscient. Jake Sully, pilote de son avatar, incarne ce regard technologiquement augmenté. Celui d’un explorateur qui pénètre un monde étranger sans en subir les conséquences. L’immersion devient alors le revers d’une domination, le fantasme d’un regard occidental qui contrôle sous couvert de découverte.

Le regard colonial et la figure du “white savior”

Sous ses airs de fable écologiste et anticoloniale, Avatar reconduit une dynamique de regard héritée de l’imaginaire impérialiste. En suivant Jake Sully, soldat humain devenu Toruk Makto, chef de guerre des Na’vi, Cameron rejoue le mythe du « white savior » : l’homme occidental qui, tout en dénonçant l’exploitation des peuples autochtones, en redevient paradoxalement le centre du récit. Le film critique la colonisation tout en offrant au spectateur occidental la possibilité d’une rédemption morale. Il devient alors une catharsis visuelle du privilège : se voir comme colonisateur, puis s’en absoudre à travers la transformation du héros.

Cette tension se cristallise dans le dernier plan ! Au début du film, Jake ouvre les yeux une première fois sur une planète à conquérir, puis les rouvre plus tard en tant qu’avatar, symbolisant la renaissance du regard. Puis quitte définitivement son corps humain, pour enfin rouvrir les yeux en tant que Na’vi. Ce geste symbolique clôt sa conversion sans effacer pour autant l’ambiguïté de la dualité de ce personnage : Jake demeure à la fois produit d’un regard dominant et figure héroïque de l’altérité qu’il prétend embrasser.

À travers cette transformation, Cameron interroge aussi son propre cinéma. Le colonel Quaritch et Jake Sully apparaissent comme deux incarnations d’un même archétype hollywoodien . Celui du héros d’action forgé par la tradition américaine, le Marine. Mais sur Pandora, ces figures se dédoublent et s’opposent. Quaritch prolonge le regard conquérant, militariste et destructeur, Jake, lui, tente sa rédemption par l’apprentissage et la reconnaissance des Na’vi. Cameron rejoue ainsi son propre mythe du héros pour le réécrire, passant d’un régime du regard dominateur à un regard réconciliateur et empathique.

 

Le regard intime et empathique

À l’intérieur de cette machinerie spectaculaire, la relation entre Jake et Neytiri ouvre une brèche plus sensible et intime. Le « I see you » emblématique du film condense cette métamorphose du regard : ne plus « voir » pour dominer, mais pour reconnaître. Les gros plans sur les yeux, les respirations partagées, les deux fronts collés font du regard un lien charnel et spirituel. À travers Neytiri, Jake apprend à voir autrement, à percevoir ses gestes, son environnement et les battements d’un monde vivant.

Le couple devient lui aussi métaphore d’une rencontre entre deux régimes perceptifs. Neytiri incarne un regard du lien, fondé sur l’interdépendance, tandis que Jake, héritier d’une perception occidentale, découvre la vision comme relation et vulnérabilité. Leur amour ne relève pas simplement d’une romance écologique, mais d’une initiation sensorielle et politique : apprendre “à regarder” autrement équivaut ici à apprendre “à être” autrement, à devenir l’Autre.

Ce message s’adresse aussi à nous, spectateurs. Car Jake rouvre les yeux à trois reprises au cours du film, et chaque fois, il les tourne vers la caméra, comme s’il nous incluait dans son apprentissage. Le « I see you » devient alors un passage de relais. À travers lui, Cameron nous invite à expérimenter nous-mêmes cette conversion du regard, à passer d’une vision de contrôle à une vision de reconnaissance.

 

L’émerveillement

Cependant, Avatar ne se réduit ni à la maîtrise ni à la culpabilité du regard, il propose aussi de redécouvrir l’émerveillement. Dès l’arrivée sur Pandora, la mise en scène privilégie une révélation progressive du monde : d’abord des flèches sur un robot, le fruit juteux donné par Grace, le camp des Avatar, et enfin le village de Neytiri. L’espace ne s’impose pas d’un bloc, mais se découvre par fragments, par éclats de lumière, par textures et sons, comme une invitation à l’exploration ! Ce monde aux relations complexes que nous avons survolé, que nous croyions connaître, nous allons apprendre à le découvrir sous toutes ses couches pas à pas, plans par plans.

Le regard analytique cède la place à un regard plus infantile et émerveillé. Cameron mobilise ici une logique presque vidéoludique ! Pandora se donne comme un territoire à parcourir, à éprouver, à expérimenter. La 3D participe pleinement à cette sensation d’immersion, elle devient un outil d’apprentissage permettant non pas de dominer l’image, mais d’y entrer, d’y circuler, d’y être vulnérable. Cette logique explique la centralité d’un héros quasi immortel qui autorise l’exploration, l’essai et l’émerveillement.

Ce qui se joue alors relève d’une véritable initiation poétique au regard. Pandora fonctionne dès lors comme un poème visuel, une ode à la curiosité et à la fragilité de voir. Le film nous invite à retrouver le regard de l’enfance, ce moment où voir redevient un acte d’émerveillement. Un regard qui ne possède pas, qui ne domine pas, mais qui s’émerveille d’exister face à la beauté de ce qui le dépasse.